The Films of Almodóvar: A Definitive Ranking

[Versión bilingüe]

From his first film (Pepi, Luci, Bom, y otras chicas del montón, released in 1992) through to his most recent release (Julieta, 2017), Pedro Almodóvar’s work has been entirely ahead of its time. His films are predictably loud, proud, and brimming with vibrant colors. They bring to life a self-sufficiency and an addictive recklessness that allow him to emerge from the dark ashes of the Franco censorship and champion the Movida Madrileña in its highest capacity. I regret that our culture has not given Almodóvar enough credit for his radical depictions of nuanced identity, emotion, and self-aware drama. His work is that of revolutionary queer expression and women’s empowerment. Yet is hardly referenced or celebrated in American media, even while it has all the components of a cult following.

While his work never fails to entertain or push social boundaries, and while there is often an Almodóvarian and effervescent Spanish essence to his cinematography, each one of his films is vastly different. Those who have recognized the aspects of suspense in La piel que habito (2011) and have been dissuaded from engaging with his other films have missed out on his spectacular representation of identity politics, grief, and love such as is exemplified in Todo sobre mi madre (1999). And those who have only seen this film not have been exposed to his dark and infectious humor as represented in Entre tinieblas (1983). So, having viewed each of his movies, I present a definitive ranking of them all, hopefully exposing the intricacies of his filmography and encouraging you to delve into his wacky, wonderful, and positively trambólico world.

Don’t forget to review your favorite Almodóvar film in the comments below.
  1. Pepi, Luci, Bom (1992)

In his first and most boisterous film, Almodóvar offers his viewers a taste of all things censured during the years of the Franco dictatorship. He infuses immodesty, fearlessness, female empowerment into his highly controversial plot line that champions love and the embodies the epitome of “you do you.” Not to mention the vigorous spirit of Madrid, which, though he actively heightens its no pasa nada carefree and vivacious mentality, provides a window to the city streets during the 80s. The energy of which is an undercurrent throughout the shots of architecture and cobblestones alone. To watch the film is to immerse yourself in a world where limits are void, where performance is sanctified, and where our wildest fantasies as fallible humans play out before our eyes.

  1. Volver (2006)

This mystery-suspense tackles domestic violence and the strength of a mourning woman. Penélope Cruz portrays a character so independent and empowered that Almodóvar offers an almost fantastical element in the presentation of her composure while facing the death of her husband. This movie, filled with somber music, incorporates elements of Spanish folklore, including ghosts, to tell an authentic fable that will perhaps one day become folklore itself. Almodóvar evokes a mystical darkness and brings gravity to the scenery through the absence of intense colors. He depicts a very romantic image of rural Spain, creating a boundary between city and country life, a recurring motif throughout his filmography. This film is ultimately a demonstration of Almodóvar’s urge to empower women through his depiction of one so unbelievably level headed and strong while confronting a nearly impossible situation.

  1. All About My Mother (1999)

In his first movie set (partially) in Barcelona, Almodóvar plays with the theme of relocation, its impact on identity, and its relation to existence: life and death. Antonia San Juan as Agrado, has a tranquil composure and an air of brilliance. She loves everyone and everyone loves her. Throughout her life journey, and the bird’s eye view shots of the two cities, Madrid and Barcelona, creating romanticized ideals of each, he exemplifies female solidarity, loss of live, and rebirth in this film, which leave the viewer with an optimistic impression. His life lessons, of course, come along with seductive hints as to what types of activities transpire in each city. Indulge your curiosity and watch this film to uncover the great secrets of Almodóvar’s Spain!

  1. Dark Habits (1983)

This hilarious film mixes religion with pop culture to show a dark and scandalous side of convent life. Almodóvar explores the themes of sacrifice, failure, and addiction, as well as pleasure and desire, through both religious figures and sinners. Julieta Serrano, who plays the protagonist, displays within her eyes the struggle between autonomy, sensual satisfaction, and her cultural affiliation with religion. Set in a hedonistic convent, Almodóvar has a field day in his representation of the conflict between religious icons and human needs. Even in a monastery, it’s not an Almodóvar film without a grand musical number, and this one takes on controversial topics in stride. The final scene leaves the viewer not with a parody of religion, but with an exploration of the autonomy of womankind.

  1. Bad Education (2004)

In this mildly sinister film, Almodóvar explores themes of blackmail, sexual assault, revenge, and (of course) love. He looks for a solution to familial conflict. Lluís Homar, in his representation of Sr. Manuel Berenguer, gives a convincing and nuanced performance of a troubled man in love. This film is told through flashbacks and cuts between the present and the past. It offers a unique cinematographic intensity and forces the viewer to confront matters such as murder, abuse, and lastly, as in Dostoevsky, what it means to feel pity for a killer.

  1. Law of Desire (1987)

This extremely nuanced movie takes on love and lust, developing upon many levels of self-exploration and understanding. Centering on desire, sexuality, and intimacy, a young Antonio Banderas represents the forces of passion in his role as Antonio. While at first sight the excessive appearance of sexual intimacy seem superfluous, it becomes clear that Almodóvar is depicting the intensity with which humankind is capable of experiencing lust and its differentiation from love. He demystifies and normalizes homosexuality and in doing so he demonstrates aspects of sexual desire within a diverse range of characters, throwing masculinity to the wind in its effect.

  1. Women on the Verge of a Nervous Breakdown (1988)

In arguably his most famous film, Almodóvar presents a story of jealousy, regret and revenge. Toying with Spanish stereotypes, he creates a range of lovable characters that find themselves in dire situations. With scenes that conspicuously tip a hat to Hitchcock’s Rear Window and Billy Wilder’s Apartment, it is a masterful piece that tackles love, loss, hate, and the difficulties of moving on from a broken relationship.

  1. Labyrinth of Passion (1982)

This film takes on the idea of homosexuality as a pathology and offers acceptance as a cure. Like many of his films, it is set on the streets of Madrid. Its elaborate plot line takes on the idea of artificial insemination as the absence of personal intimacy. Rift with bright colors, and of course a musical number, Almodóvar presents various perspectives of love that challenge the viewer to embrace the significance of honesty in their own intimate relations.

  1. Live Flesh (1997)

With heightened focus on city infrastructure, this film presents a representation of the political and cultural context during and after the Franco dictatorship in Spain. It provides an admonitory circular effect of the passing of time, urging us not to forget the circumstances that allowed for the population of Spain to face such unbelievable oppression. Javier Bardem plays a man who has sacrificed his life for his wife, Helena. The plot line is equally reminiscent of mythology, as there are two men fighting for her love. Meanwhile the protagonist, Víctor, has an especially intimate relationship with the city of Madrid, since he was delivered as a newborn on a public bus. He seeks to win the heart of Helena in vengeance of his undeserved prison sentencing, and as such, his character is the embodiment of the agony and ecstasy of a first love. The film offers a classic example of Almodóvar’s intertextuality, as he references the work of many other artists in Helena’s apartment. Furthermore, throughout the film, he makes a joke out of masculinity, having arch enemies bond over the soccer game on television and compete in ridiculous matches of physical strength. Ultimately, he succeeds in questioning the role of gender in society.

  1. Kika (1993)

In a vibrant mix of emotions and colors that are out of an art pop display, Kika (Verónica Forqué) has the voice of a cartoon character and works as makeup artist. Almodóvar displays innocence in the face of corruption and sin as she faces a dastardly conflict. He also succeeds in making a joke out of those who identify as “liberal,” such as Kika herself. This film tackles sexual intimacy as well and the manifestation of female pleasure.

  1. Broken Embraces (2009)

A reflection on his own life as a writer, director, and producer, Broken Embraces catalogues the life of the blind filmmaker, Harry Caine (Lluís Homar), in his love for his deceased ex-lover (played by Penelope Cruz). A new filmmaker comes into Caine’s life, in attempts to reveal the true story of his origins, which have some overlap with the hidden secrets of Harry Caine. Filled with drama, familial conflict, and Penelope Cruz speaking  in English, this film offers the darkness of hidden family secrets and the possibility of a brighter future.

  1. I’m So Excited (2013)

Across an unimaginable series of events, Almodóvar is able to bring campy humor to a dire situation. Watch as the flight attendants drug an entire plane of passengers and perform a drag number to the famous Pointer Sisters’ hit, when they learn that they may never land. The film follows the dramatic story of a man in love to a suicidal woman, and confronts human nature in the face of disaster. (Don’t worry—they land the plane.)

  1. Talk to Her (2002)

Have you ever sought out a movie about a comatose matador? Now you will. This film puts two different hospital patients in parallel situations, as they are cared for by their respective lovers. Actor, Darío Grandinetti, in his silent intensity, displays saturated emotion in his tears as Almodóvar uses clips of silent film to add drama and metaphor to his incisive portrayal of life in a hospital, and the definition of human consciousness. His panoramas of Mediterranean olive trees are also unique and spectacular markers during scene changes, achieving a gripping cinematographic effect.

  1. High Heels (1991)

This film will make you feel lucky that you don’t have a famous mother. It features the dynamic acting of Miguel Bosé, who plays three different characters in one, tricking as much the audience as he does the other characters in the narrative. His capacity for drag, dance, and his outstanding acting make this wild movie an explosion of passion and an exploration into the possibilities of repentance and forgiveness. What happens when an unaware daughter marries her mother’s ex-lover? Only Pedro could dream up the bizarre and dynamic characters in this film. With such wild costumes and bold colors in the scenery, he presents the multiplicity of identity that reflects dueling emotions within us all. The ending is unanticipated in its message of hope and the possibility to offer forgiveness. But you’ll be laughing at the absurdity of its display.

  1. The Flower of My Secret (1995)

Marisa Paredes plays an author who publishes romantic dramas under the pen name, Amanda Gris. Her success, attributed to their sentimental and hopeful endings, is challenged when she attempts to publish a book that does not end in a happily ever after, reflecting a scenario much closer to her true life. But things begin to look up for Amanda when she meets a potential love interest, Ángel. This film takes on depression, the struggle of heartbreak, and the challenges of the publishing industry. With intricate characters and a classic division of city—country, it is certain to win your heart. For reference, the plot of the story she writes happens to be the plot of Almodóvar’s later film, Volver!

  1. Tie Me Up! Tie Me Down! (1990)

In Tie Me Up! Tie Me Down! Almodóvar displays the diverse ways in which love can be expressed. In a Beauty and the Beast-esque tale, he exposes how one cannot control the insanity that sits hand in hand with desire. The two lovers, played by Victoria Abril and Antonio Banderas present two examples of what might be described as “mixed feelings.” April experiences both love and fear. Banderas, however, feels desire entangled with destruction. Almodóvar uses the birds-eye-view perspective to display the character Marina (Abril) tied up by Ricky (Banderas) and in this he represents the duality of the love and entrapment. He leaves the viewer with the unforgettable impression that the two things, vulnerability and passion are intertwined.

  1. The Skin I Live In (2011)

This film is realistic, ominous, and its message is enduring. Set in modern day Toledo, Almodóvar portrays a haunting demonstration of aesthetics, medical technology, love, revenge, and death, criticizing at large the beauty standards that our society imposes upon women. Its captivating portrayal of Robert Legard allows the viewer to sympathize with the plastic surgeon who, at the risk of revealing the storyline, works on a patient without their medical consent. It becomes clear how a neutral doctor and father could become a torturer. Besides its emphasis on the female figure and its facades, the film offers the hope of an escape from the aesthetic to achieve freedom.

  1. Matador (1986)

Matador is one of Almodóvar’s more disturbing films. Here, he equates love with death in an infinite wealth of provocative innuendos. The movie, overdramatic as ever, played on the word “matador” which is a term that describes bull fighters but also literally means “one who kills” in Spanish. He equates the bull-fighter-matador with assassin-matador with lover, using Antonio Banderas in a role so unconvincing as to feel like magical realism with his ESP abilities. Playing with classical images of bullfighting and brilliant yellow and red imagery, Almodóvar attempts to investigate the taboo of sadomasochism on a profound level. But alas, the film ends up feeling absurd, and speaks poorly of human nature as it relays a story that is dramatic, violent, and obscene.

  1.      What Have I Done to Deserve This? (1984)

The provocative plotline “I am surrounded by wild characters and I myself have coincidentally become a drug addict” plagues the protagonist, Gloria (Carmen Maura). With two sons involved in differing trouble, a husband who is a professional forger, and a mother in law who is a collector of large sticks and a lizard named “Money,” she has found herself in over her head. Follow some of the lesser-developed characters that Pedro Almodóvar has created in this web of drama.

  1. Julieta (2016)

After witnessing the essence of Almodóvar in his more classic films, Julieta was a disappointment. It played on all the cultural clichés that he had somehow evaded earlier on in his career. Most of the plot was developed following Julieta’s journal entries, a device that Almodóvar here relies on as a crutch in place of a more creative plot reveal. While it still evoked that essence of Madrid that makes his films so tangible, I would recommend another film as a first taste of Pedro’s true genius.


Las películas de Almodóvar: una clasificación definitiva 

Desde su primera película (Pepi, Luci, Bom, y otras chicas del montón, estrenada in 1992) hasta su más reciente estrenada (Julieta, 2017), la obra de Pedro Almodóvar ha sido enteramente por delante de su tiempo. Sus películas son previsiblemente fuertes, orgullosas, y llenas de colores vibrantes. Ellas crean una autosuficiencia e imprudencia adictiva que le deja emerger desde las cenizas de la censura de Franco y defienden la Movida Madrileña en su capacidad más alta. Lamento que nuestra cultura no ha dado suficiente crédito a Almodóvar por sus representaciones radicales de la identidad matizada, la emoción, y el dramatismo autoconsciente. Su obra es esa de la expresión gay revolucionaria y el empoderamiento de la mujer. Sin embargo, apenas es celebrado o citado en la media americana, aunque tiene todos los ingredientes que deberían componer un siguiente del culto.

Mientras su obra nunca falla entretener o empujar los límites de la cultura, y mientras hay de menudo una esencia Almodóvariano y efervescente a su cinematografía, cada una de sus películas son infinitivamente diferentes. Las personas que han reconocidos los aspectos del suspenso en La piel que habito (2011) y fueron disuadidas de involucrarse en sus otras películas han perdido su representación espectacular de la política de la identidad, la pena, y el amor como es ejemplificado en Todo sobre mi madre (1999). Y los que han solamente visto esta película no han visto su humor oscuro e infeccioso, como es representado en Entre tinieblas (1983). Entonces, al que he visto a cada una de sus películas, presiento una clasificación definitiva de las todas, con suerte exponiendo los matices de su filmografía y animándote rebuscar en su mundo extravagante, maravilloso y verdaderamente trambólico.

No te olvides hacer un análisis de tus obras favoritas de Almodóvar abajo en los comentarios.
  1. Pepi, Luci, Bom, y otras chicas del montón (1992)

En su primera y más escandalosa película, Almodóvar ofrece una prueba de todas las cosas censuradas durante los años del dictado de Franco. Infunde su obra con la inmodestia, la valentía, el empoderamiento femenino, y un argumento muy controversial que muestra como la mujer debe rechazar los deseos del hombre para crear su propio destino y seguir su voluntad autónoma. Aunque la película demuestra la manera en que la protagonista, Luci, despide a su hombre para quedarse en una relación con Bom, al final de la película, ella vuelve a estar con su esposo. La actriz Concha Grégori, retrata la vecina y da una muestra al mundo fuera de la escena. Es una vista intima de la sociedad dentro de la película. Ella orienta la espectadora, haciendo la película más dinámica. Hay que reconocer el uso de colores para un triunfo de la Movida Madrileña.

  1. Volver (2006)

Esta película tiene un sentido misterioso y de suspenso. Vemos la violencia doméstica y se trata de la fortaleza de una mujer de luto. Penélope Cruz retrata alguien tan independiente y empoderada, pero su parte no es tan creíble en cuanto mantiene su compostura aun cuando su marido está muerto y casi ha violada su hija. Los colores y la música llevan gravedad al escenario de la muerte. La película, y la música en especial, ofrece una imagen de España muy romántica y nostálgica. Almodóvar empodera la mujer con su fortaleza frente una situación imposible.

  1. Todo sobre mi madre (1999)

Esta es la primera película de Almodóvar en que se ve (parcialmente) Barcelona. Aquí, él juega con la idea de la identidad diferente de diferentes lugares. Otro tema es la muerte. Antonia San Juan juega el papel de Agrado, quien tiene una compostura tranquila y un aire brillante. Ella ama a todos y todos aman a ella. Almodóvar utiliza cortes cenitales para demostrar la entrada y la salida en sus dos representaciones de las ciudades, Madrid y Barcelona. Estas imágenes crean un ideal romantizado de cada ciudad y una idea de lo que va a pasar allí. La solidaridad femenina, la perdida de una amada y el renacimiento le deja la espectadora con una impresión optimista.

  1. Entre tinieblas (1983)

Esta película mezclaba la religión con la cultura popular. Los temas incluyeron el sacrificio, la redención y la adicción. La película trató de los deseos y del placer, a través de las figuras religiosas y las pecadoras. Julieta Serrano mostró mucho con sus ojos de su lucha entre la autonomía, la satisfacción sensual, y es sistema religioso en que se situaba. Mientras el personaje principal es Yolanda, el enfoque es claramente sobre las monjas y su experiencia en el convento. Una imagen repetida fue el desenvolvimiento de regalos con papel de regalo colorado. Un momento intenso cinematográfico que se reflexiona el deseo fue entre cortos de Yolanda y la Madre Superior, durante la escena musical en la fiesta del convento. La escena final deja la espectadora con la sensación de que la película no fue una parodia de la religión, sino una exploración de la autonomía de la mujer.

  1. La mala educación (2004)

En esta película un poco siniestro, Almodóvar investiga los temas del chantaje, el abuso sexual, la venganza y el amor. También busca una respuesta a lo que significan las relaciones familiares. El actor, Lluís Homar, fue increíble en su representación del Sr. Manuel Berenguer. Fue muy convincente en las tinturas de ser un hombre preocupado y enamorado. También la película fue muy definida por las secuencias desordenadas entre el relato y la historia. Vemos muchos momentos de flashback y cortes entre el presente y el pasado. La película ha causado una impresión intensa en que la espectadora tiene que confrontarse con preguntas sobre la violación, el asesinato y el amor. Al fin, como en Dostoevsky, se siente pena por el asesino.

  1. La ley del deseo (1987)

La película se centra en el deseo, la sexualidad, y el amor homosexual. Antonio Banderas representa bien la esfuerza de la pasión en su retrato de Antonio. Al principio, los momentos en que se enfoca en los rostros de la gente cuando ven la película pornográfica representan la intensidad con la cual los humanos se sienten la pasión. Almodóvar intenta desmitificar y normalizar la homosexualidad y mostrar los aspectos del deseo sexual entre un grupo diverso de personajes. Con esto, logra probar que la masculinidad no debe tener tanta significancia como la nos ponemos en la sociedad heteronormativa.

  1. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)

En lo que es quizás su película más famosa, Almodóvar presenta una historia de la envidia, el arrepentimiento, y la venganza. Jugando con los estereotipos españoles, él crea una gama de personajes amables que se encuentran en situaciones nefastas. Con escenas que se conspicuamente refieran a la película Rear Window de Alfred Hitchcosk y Apartment de Billy Wilder, esta película es una pieza autoritaria que aborda el amor, la pérdida, el odio, y las dificultades de seguir adelante de una relación quebrada.

  1. Laberinto de pasiones (1982)

La película trata del amor y la intimidad a través de los personajes principales, las cuales tienen relaciones diferentes entre sí, concentrando en la ninfomanía, la homosexualidad, y la inseminación artificial como la ausencia de la intimidad personal. Aparece Helga Liné como Toraya, una mujer muy elegante y quien retrata bien el personaje clave en la vida de los dos personajes, Sexilia y Riza. Liné se presenta con una suave intensidad y acento portugués. Había muchos colores intensos en la ropa de Sexilia y el grupo musical “Ellos” y un espectaculo que añada mucha vida al mundo de Almodóvar. Tuve un problema con la idea del amor entre Sexilia y Riza le ha curado de la homosexualidad, como si fuera la homosexualidad una patología, pero sobre todo la película fue entretenida y dio perspectivos diversos del amor que me hicen pensar en la significancia de la secrecía en las relaciones íntimas.

  1. Carne trémula (1997)

Esta película echa un vistazo nuevo a la ciudad de Madrid que difiere de las otras de Almodóvar. Aquí se ve una representación del contexto político y cultural dentro de la dictadura de Franco y después, dando un efecto circular al paso del tiempo. Javier Bardem retrata un hombre lo quien ha sacrificado la vida para una mujer, Helena. Remaneciente al mito griego, hay dos hombres luchando por su amor. Pero el personaje principal, Víctor tiene cierta relación con la ciudad de Madrid, a causa de su nacimiento en un autobús público. Sus expresiones creíbles de alguien enamorado y buscando venganza apoyen desarrollar la trama de la película, mostrando la pena y la gloria de un primer amor. Almodóvar se refiere a la obra artística otra vez, cuando Víctor entra la casa de Helena. Aquí vemos la intertextualidad. También invoca muchas imágenes del machismo, ultimadamente probando que no deberíamos creer tanto en la esfuerza física del hombre y el valor de los roles del género. La película deja a la espectadora con la esperanza de una vida nueva, cuando Víctor finalmente gana el amor de Helena y pueden existir sin dictadora.

  1. Kika (1993)

Kika trata de lo siniestro en una manera vibrante con colores brillantes como del arte pop. La protagonista, Kika, jugada por Verónica Forqué, tiene la voz de un carácter cómico, y juega el papel de una maquilladora artística. La historia de la película es muy distinta del relato en que hay momentos de flashback y cortos entre la película real y la película filmada por los personajes. También, vemos muchos momentos de la intertextualidad con el arte en las paredes de la casa de Kika, y el metacine, cuando miran la televisión o se ven una película dentro de la película. Kika muestra la inocencia frente la corrupción y el pecado. También, hace una burla de la gente que se identifica como “liberal,” como Kika sí misma.

  1. Los abrazos rotos (2009)

Una reflexión sobre su propia vida como escritor, director, y productor, Los abrazos rotos cataloga la vida de un cineasta ciego, Harry Caine (Lluís Homar), en su amor por su examante muerta (jugada por Penelope Cruz). Un nuevo cineasta entra su vida, en atento de revelar la historia verdadera de sus origines, los cuales tienen algo de coincidencia con los secretos descubiertos de Harry Caine. Llena de drama, conflicto familiar, y Penélope Cruz hablando en inglés, esta película ofrece la oscuridad de los secretos familiares escondidos y la posibilidad de un futuro brillante.

  1. Los amantes pasajeros (2013)

A través de una serie de eventos inimaginables, Almodóvar es capaz de traer humor a una situación nefasta. Mire mientras los asistentes de vuelo drogan un avión lleno de pasajeros y ejecuta una escena de drag para acompañar a la canción “I’m So Excited” de las Pointer Sisters, cuando se enteran que es posible que nunca aterrizará el avión. La película sigue la historia dramática de un hombre enamorada de una mujer suicida, y confronte la naturaleza humana frente al desastre. (No te preocupes—aterrizan el avión.)

  1. Hable con ella (2002)

Esta película trata del amor y la vida en coma. Hay dos pacientes paralelos con amantes quienes las tratan, y muestra las maneras diferentes de amar a alguien y la significancia del consentimiento. Introduce el metacine con la película muto que paralela las historias de los dos pacientes. También es maravilloso y da un sentido mediterráneo el uso del panorama de los olivos para marcar cambias de corto. El actor Darío Grandinetti tuvo una intensidad silenciosa, solamente mostrando la emoción a través de las lágrimas. La película deja a la espectadora con un sentido triste y se hace reflexionar sobre lo que quiere decir “vivir.”

  1. Tacones lejanos (1991)

Esta película trata del amor familiar y las relaciones tensas entre una madre famosa y su hija que se siente abandonada en su suceso. Miguel Bosé juega un papel dinámico y raro, algo que suena de la imaginación de Almodóvar. Él tiene que desempeñar las historias de tres personajes distintos y burlar a mucha gente en el proceso. Sus vestidos diferentes y su poder de hacerse pasar por Becky como “Letal,” es impresionante y se destaca su habilidad de expresar una variedad de emociones. Almodóvar incorpora escenas musicales en muchas de sus películas, y en esta, no solo hay colores brillantes en la escena de drag sino también en la escena de baile en la cárcel. El final es sorprendente y habla de la posibilidad de pedir perdón frente a la muerte.

  1. La flor de mi secreto (1995)

Marisa Paredes juega una autora quien publica dramas bajo el seudónimo, Amanda Gris. Su suceso, atribuido a sus finales sentimentales y llenas de esperanza, es desafiado cuando intenta de publicar un libro que no termina en “feliz para siempre,” reflejando un escenario mucho más cercano a su vida real. Pero las cosas cambian para Amanda cuando conoce a un interés de amor, Ángel. Esta película trata con la depresión, la lucha de la congoja y los desafíos de la industria de la publicación. Con personajes matizadas y una división clásica entre el pueblo y la ciudad, es cierto que esta película va a ganar tu corazón ¡Ojo! La trama de la historia que escribe Amanda resulta ser la misma trama de la película, Volver.

  1. Átame (1990)

En Átame, se ve como el amor se puede expresar en diversas maneras, y que no se puede controlar la locura que viene con el deseo. Los dos amantes, Victoria Abril y Antonio Banderas, presentan dos modos de sentirse dos cosas a la misma vez. Para Abril, esta experiencia compone sentir los dos el amor y el miedo a la vez. Para Banderas, es el deseo contra la destrucción. Almodóvar utiliza planos cenitales para mostrar a Marina (Abril) atada, y en esto representa la dualidad de sus sentimientos de amor y el sentido de ser atrapada por Ricky (Banderas). Nos deja con una impresión inolvidable de que las dos cosas: la vulnerabilidad y la pasión, son entrelazadas.

  1. La piel que habito (2011)

Esta película tenía un tema muy diferente, con un sentido muy ominoso a través del relato completo, tratando de la tecnología medical, la muerte, la venganza y la vida estética y como se presenta la mujer de la fachada. También había una gran diferencia entre el relato y la historia, con muchos momentos de flashback para dar misterio y para desarrollar la historia oscura del Robert Legard en una manera cautivadora y coloreada. Encontré que podía entender las motivaciones de cada personaje, a la misma vez comprendiendo, gustando, y odiando a todos. Antonia Banderas fue muy creíble en su venganza de la muerte de su hija. Se puede ver como un hombre neutral y medico se convierte en torturador. Había mucho énfasis en el cuerpo de la mujer y el exterior, dando una esperanza del poder escapar el enfoque sobre lo estético para lograr la libertad.

  1. Matador (1986)

Esta película fue más traumática que las otras de Almodóvar. Con trasfondos muy oscuros, él juega con el amor y la muerte en una manera transparente y desmesurada. La película fue muy dramática y llena de paralelos: el matador como asesino como amante. Almodóvar utiliza otra vez Antonio Banderas en un papel poco creíble que se siente como el realismo mágico. Similar a sus poderes en Laberinto de pasiones, en que él tiene una nariz como un perro, esta vez puede predecir el futuro y puede ver lo que está pasando en otras partes. Almodóvar juega con las imágenes españoles de los toros y los matadores con colores brillantes de amarillo y rojo sangriento. Con las relaciones amorosos entre personajes diversas, Almodóvar intenta penetrar el tabú del sadomasoquismo en un nivel profundo. Pero al final, la película se sienta absurdo y no habla bien de la naturaleza humana, sino que desarrolla una historia dramática, obscena, y violenta.

  1. ¿Que he hecho yo para merecer esto? (1984)

La trama provocativa “estoy enredada por caracteres locos y yo mismo he por casualidad vuelto en drogadicta” plaga la protagonista, Gloria (Carmen Maura). Con dos hijos involucrados en problemas diferente, un marido que es falsifica profesional, una suegra que colecta palos grandes y un lagarto llamado “Dinero,” ella se ha encontrado con demasiados problemas. Sigua unos de los menos desarrollados personajes que Pedro Almodóvar ha creado en esta telaraña de drama.

  1. Julieta (2016)

Después de ver la esencia de Almodóvar en sus películas más clásicas, Julieta fue una decepción. Jugaba con todos los clichés culturales que él ha de una manera u otra evitado más antes en su carrera. Muchos aspectos de la trama fueron revelados siguiendo las entradas del diario de Julieta, un aparato que Almodóvar aparece utilizar como una muleta en lugar de otra manera más creativa de desarrollar la historia. Mientras todavía evocaba la esencia de Madrid que les hace sus películas tan tangibles, recomendaría otra película para una prueba inicial de la ingenia verdadera de Pedro.

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Annie Rubin

Annie proudly knows all the lyrics to Joni Mitchell's album Blue. When she's not writing, you can find her reading about intersectionality, drinking Lorelai-Gilmore-levels of coffee, and exploring the world.

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